2010
IMDB 7.0 von 10


Christopher Nolan hat wieder einmal einen Film gedreht. 148 Minuten lang ist er geworden und bei IMDB rangiert er als drittbester Streifen aller Zeiten. Die Kritiken sind hymnisch. Von einem intelligenten Actionthriller ist dort zu lesen, einem Anti-Michael-Bay für den intelligenten Kinogänger. Die Handlung ist schnell erzählt. Leonardo DiCaprio spielt Cobb, einem Dieb der besondern Art. Cobb dringt in fremde Gehirne ein und stiehlt dort Informationen. Als Medium dienen ihm die Träume der Bestohlenen. Diese bilden gleichsam eine zweite Realität, in welche Cobb eindringen und agieren kann. Dummerweise können in diesen Realitäten Pannen geschehen, die grösste Gefahr für den Eindringling besteht darin, die echte mit der falschen Realität am Ende verwechseln zu können. Durch eine dieser Pannen verlor Cobb seine Frau, ein Umstand, der ihn nicht nur psychisch, sondern auch ganz physisch in Form gegen ihn ermittelnder Polizeibeamten verfolgt. Ein besonders heikler Auftrag versprich ihm sich zumindest des letzteren Problems zu entledigen. Cobb soll sich in die Traumwelt eines Industriellensohns einschleichen und dort den Gedanken einpflanzen, sein ererbtes Imperium aufzuspalten, um einem Konkurrenten wirtschaftliche Vorteile zu ermöglichen. Dazu baut er ein kompliziertes Konstrukt eines dreifach verschachtelten Traumes auf, um den Gedanken für den Träumenden Industriellen möglichst genuin erscheinen zu lassen. Zu seiner Seite steht ein Team aus Spezialisten, welche ihn bei seiner gefährlichen Mission unterstützen.

Pickpocket ist nun also mein vierter Bresson Film nach Un Femme Douce (1969), Lancelot Du Lac (1974) und Un condamné à mort (1956). Lancelot sticht in dieser Reihe ein wenig heraus, die übrigen drei lassen sich in gewisser Weise als Radikalisierung eines Konzeptes, einer filmischen Methode verstehen. Die Reduktion des Theatralischen, im beigefügten Interview sehr schön als "Anti-Expression" bezeichnet, steigert sich in diesen drei Filmen in "un Femme Douce" zu einem Höhepunkt, zumal die Spannung zwischen der eigentlichen Tragik der Figuren und ihrer nach aussen forciert dargestellten Teilnahmslosigkeit am stärksten zu werden scheint. Pickpocket könnte man also als einen Entwicklungsschritt sehen. Bresson verfeinert die Virtuosität seiner Einstellungen, ja feiert die handwerkliche Schönheit in ihrer Formvollendetheit. Die beste Szene dürfte in dieser Hinsicht sicher jene im Zug sein, in der aus dem wiederholten Taschendiebstahl eine höchst ästhetisches Tanzen greifender und bewegter Hände wird.

Pickpocket bedeutet gegenüber Un condamné à mort auch inhaltlich einen Fortschritt, der in Un Femme Douce auf die Spitze getrieben wird. Die klare Rollenverteilung und stringente Logik des ersten Filmes wird zu Gunsten eher unsteter Gestalten aufgegeben, deren Motivation unklar, zumindestens aber zweideutig bleibt.

1974

Ein ungewöhnlicher Film. Zunächst denkt man ja, die Geschichte sei doch recht abgelutscht, die Charaktere bekannt, die Handlung ohnehin und sogar die Verfilmungen zum Stoff sind Legion. Die fast ausschliessliche Beschränkung auf die Beziehung Lancelot - Guinivere eröffnet dann aber dann doch eine neue radikale Dimension des Stoffes. Der Gral wird nur am Rande gestreift, ebenso wie die Verräter innerhalb der durch dei Gralssuche dezimierten Tafelrunde. So bleibt als Kern die Frage nach der unbedingten Liebe. Das könnte leicht in Kitsch ausarten, wenn diese Frage nicht mit einer anderen verknüpft würde, eine, welche den ganzen Abgrund der folgenden Ereignisse eröffnen wird, nämlich diejenige nach dem Preis, um welche diese unbedingte Liebe aufgegeben werden kann. Und in geradezu zynische Weise beobachtet der Film den rapiden Verfall diese Preises.

Die Kamera scheint bei dem Geschehen eigentlich nie genug nahe dem bewegten, rastlosen Körper zu kommen. Ich glaube, bis kurz vor Schluss des Filmes gibt es keine einzige Totale, auch die Halbtotalen sind äusserst spärlich gesät. Und ruht dann wenigstens zumeist der Fokus auf den Gesichtern der Akteure, scheint sich die Kamera in diesem Film mehr um Beine, Füsse, Gelenke, Bewegungen zu kümmern. Bisweilen erscheint dies ein wenig forciert und kann bisweilen ein wenig ins Schematische abdriften, etwa in der Introduktion, in der Bilderbuchartig die grausamen Taten des Lancelot vorgeführt werden, oder in der obligatorischen Turnierszene, in der Lancelot als "Schwarzer Ritter" auftritt. In letzterer wird diese Sparsamkeit, vielleicht auch ein Zwang des Budgets, unfreiwillig komisch, wenn sich Arthur und Gawain gegenseitig ein verzücktes "Lancelot" zuraunen. Stark ist der ganze Schluss, in dem sich Guinevere von Lancelot lossagt und sich wieder in die Obhuts Arturs ergibt und die letze Schlacht im Wald. Tolles Schlussbild.

IMDB
7.0 von 10

1954


Eines vorneweg: bei Filmen, über die ich mir unsicher bin, kontaktiere ich gerne das Internet, über Näheres darüber zu erfahren. Im vorliegenden Fall konnte man da z.B. lesen, dass seinerzeit das "Cahiers de Cinema", in dem u.a. Godard und Truffaut arbeiteten, diesen Film von Rosselini als einen der zehn besten aller Zeiter auserkoren.

Für mich ist dieses Urteil kaum nachvollziehbar. Die Handlung, ein aristokratisches Ehepaar aus England sucht auf jener "Viaggio in Italia" einen Ausweg aus ihrem ständigen Ehezwist, scheint auf seltsame Weise schlecht durch die Jahre gekommen. Ich habe mich lange gefragt, woran dies liegen könnte. Zum einen wirken die beiden Charaktere seltsam hölzern. Es scheint fast so, als ob sie direkt jener Zeit stammten, in der man glaubte, nur die "oberen Zehntausend" seien es wert, Gegenstand einer rechten Erzählung zu werden. Die Methode, mit der sie ihre Eheprobleme schlichten wollen, eben jene Reise in den Süden, ist holzschnittartig und konstruiert. Dieser Eindruck zieht sich in der weiteren Handlung in steigenden Dosen fort. Die Frau verbringt ihre Zeit in Museen und Ausgrabungsstätten, dabei einerseits ihren Horizont weitend, andererseits über ihre ehelichen Perspektiven grübelnd (in einer besonders platten Szene lässt Rosselini sie sehnsuchtsvoll Kinderwägen nachblicken), der Ehemann steigt natürlich einer jungen Frau hinterher. Das ist alles vorhersehbar, uncharmant und darüber hinaus noch didaktisch vorbereitet. Auch in technischer Hinsicht nerven aus heutiger Zeit schlechte Aufnahmen auf dem fahrenden Auto heraus oder lieblos hingesetzte Kameraeinstellungen.

Das metaphysisch aufgeladene Ende bringt dann zwar noch eine unerwartete Wendung, doch auch jene bleibt letztlich in ihrer trockenen Präsentation Teil des bisherigen schwachen Ganzen. Dass eine vordergründig "kühl" erzählte Geschichte dennoch "heisse" Emotionen hervorrufen kann, demonstrierte Bresson zur gleichen Zeit auf eindrückliche Art und Weise.

Ein Lob indes an zwei hervorragende Hauptdarsteller. Besonders George Sanders als ekelhafter Gatte hat mir gut gefallen. 

IMDB
5.0 von 10
 

1956 

Vielleicht starte ich bei meiner kurzen Kritik mit den beiden einzigen Punkten, die mir an diesem Film nicht so gut gefallen: das ist zum einen der völlig überzogene französische Originaltitel, der viel zu lang ausfällt und, obgleich er zwei Varianten anbietet, mit keiner der beiden so recht zu überzeugen vermag, zum anderen der schlecht gewählte Soundtrack. Ich gebe an dieser Stelle offen zu, in zunehmendem Masse allergisch auf unqualifizierte Musikwahl zu reagieren. Und gerade Mozart wurde in einem derartigem Masse filmisch verheizt, dass sich hinter jedem neuen Einsatz ein schärfstes Fragezeichen setzen lässt. Gerade Filme, die zu einem hohen Masse von der Reduktion ihrer filmischen Mittel leben, benötigen eine besondere Umsicht im Hinblick auf die Tonspur. Bela Tarr wurde in dieser Hinsicht vor kurzem von mir scharf kritisiert. In diesem Film macht es Bresson noch schlimmer. In derbster Manier werden hier akustische Fetzen in die Ohren gehauen, die weder musikalische, noch dramatische Spannungsbögen aufbauen oder unterstützen. Am Ende des Filmes wird dies leider besonders augenfällig.

Doch nun zu den positiven Aspekten des Filmes. Ich glaube, dass Bresson mit UN CONDAMNE A MORT ... ein wirklich grossartiger Film gelungen ist. Vielleicht ist es diesmal nicht die genialische Schlusszene, sondern bereits eine genialische Anfangsszene, die alles klar macht mit gleichsam sorgsam reduzierter Bildsprache. Da sitzt also der Verurteilte auf der Rückbank eines Automobils, neben ihm zwei weitere Personen, beide in Handschellen, er selbst noch ungefesselt. Sein Blick gleitet immer wieder, scheinbar zufällig, auf den Griff der Hintertür, dann wieder auf die Strasse, um die Geschwindigkeit des Wagens einzuschätzen. Brillianter kann man, denke ich, Charakter und
Handlung kaum einführen.
Der Rest des Films hält das hohe Niveau des Beginns und kann auch als eine Art Gegenthese zu den klassischen Hollywoodbearbeitungen des Ausbrechergenres gesehen werden. Praktisch unter völligem Verzicht auf Action, dramatische Einstellungen und derartiges Brimborium (Flucht von Alcatraz, Flucht in Ketten etc. pp.) gelingt es Bresson vielmehr mit seinem (Laien–)hauptdarsteller eine beklemmende Kulisse von beeindruckender Intensität zu schaffen. 

IMDB
7.0 von 10
 

2006

Ceylans Film erzählt in ruhigen teilweise unglaublich schönen Bildern die Geschichte von Bahar, einer Art Directorin beim Film, und Isa, einem Kunsthistoriker, gespielt vom Regisseur. Dabei wendet sich der Film vielleicht ein wenig schematisch vom Sonnenwetter an der türkischen Riviera zum klirrenden Winter im äussersten Anatolien. Bahar ist unglücklich, mit ihrer Beziehung und Isa schlägt ihr die Trennung vor, eine Entscheidung, die sie zwar akzeptiert, aber sie wie ihn keineswegs glücklicher machen wird. Er findet, zurück in Istambul, Zuflucht bei einer ehemaligen Geliebten, delikaterweise der Verlobten eines gemeinsamen Freundes, an deren Konstellation der Film allerdings kein weiteres Interesse zu haben scheint ausser deren gegenseitige, rein erotische Lust auf einander. So ist der zweite Teil des Filmes, in dem Bahar fehlt, auch seltsam schwächer als der 1. Teil der Filmes, ein Durchhänger, von dem sich der Film nicht mehr so ganz erholen kann. Die Bilder bleiben: etwa, wenn in extremer Nahaufnahme das Gesicht Bahars am Strang gezeigt wird, im Anschnitt der Körper, auf dem sich mit der Zeit eine flüssiges Gemisch aus Salzwasser, Schweiss und Tränen bildet, oder, generell, die Eigenart Isas seinen Kopf in Hotelzimmern in die ausgebauten Holzschubladen des Zimmertischchens zu betten.

Bisweilen kippt das Ganze dann aber auch ein wenig in zu bekannte Bilder, etwa in jenes der mittlerweile völlig überstrapazierten Spieluhr. Ich bin mir nicht sicher, ob man das nach Ennio Morricone überhaupt noch bringen kann. Diser Film kann daraus jedenfalls kein neues Kapital schlagen.

Grossartig dann wieder die Schlusszene. Die Filmcrew ist auf dem Set, draussen, um eine rührselige Szene auf dem Friedhof am Grab der Mutter zu drehen, alles eingebettet in heftigen Schneefall. Die Szene muss unterbrochen werden, weil man ein Flugzeug am Horizont gewahrt. Bahar laufen Tränen über die Wange.

Und gerade lese ich, dass Bahar auch im richtigen Leben die Gefährtin des Regisseurs ist. Er muss ein glücklicher Mensch sein.
IMDB
7.5 von 10
 

2010

Ridley Scott ist ja nun auch schon seit geraumer Zeit auf Blockbuster jedweder Art abonniert. Nach dem überwältigenden Erfolg von Gladiator war es denn auch nur eine Frage der Zeit, wann sich die Wege des damaligen Hauptdarstellers Russell Crowe und eben Scott bei einem – natürlich – historischen Stoff wieder kreuzen würden. Dabei muss das historisch natürlich sofort relativiert werden, handelt es sich bei Robin Hood doch ohnehin um eine lose Melange einiger historischer wie eher zeitgenössischer (Walter Scott, Disney u.a.) Mythen, der das Dream Team nun eine eigene, natürlich keineswegs korrektore Deutung der altbekannten Geschichte entgegen setzen möchten. Erzählt wird die Geschichte wie es dazu kam, dass Robin als Vogelfreier in den Wäldern von Sherwood Forrest leben wird. Dazu wird Prinz John ein klein wenig weniger beschränkt als sonst, König Richard ein wenig weniger moralisch unangreifbar dargestellt. Im Übrigen wird Richard auch nach einigen wenigen Filmminuten dahin gerafft werden. Robin ist keineswegs adlig, sondern rutscht nur durch eine Verkettug dummer Zufälle in den Besitz des Titels und an die Seite von Jungfer Marianne. Dieselbige wohnt in einem Haus mit schönen Glasfenster, wärmt sich am lauscheligen Kamin und greift – bei Bedarf – auch selbst zum Schwert, um England zu verteidigen. Letztes übrigens besonders unfreiwillig komisch (und wer beim Zählen der Anachronismen ins Schwitzen kommt, wird sicher auch Freude an den Landungsbooten haben, mit denen die französischen Invasionsarmee versuchen wird, England zu erobern).

1987
Irgend wie war es abzusehen, dass Lars von Trier irgendwie eine Medea machen musste. Einerseits überraschend, andererseits aber auch bemerkenswert konsequent und vorausschauend steht der Film jedoch eher am Anfang seiner filmischen Karriere als an deren Ende (oder als Wendepunkt wie bei Pasolini). Im Zusammenhang mit seinem jüngsten Werk, Antichrist, häuften sich einmal mehr die Renzensenten, die dem dänischen Regisseur Misogynie vorwarfen. Einen eher kalten Blick auf das Leiden der Protagonistin zeichnet auch Medea aus. Und doch sind die Akzente anders gesetzt. Lars von Trier lässt seine Medea zwar in historisierenden Kostümen auftreten, jedoch in der überwiegenden Anzahl der Fälle unter freiem Himmel. Schauplatz ist die majestätische Weite der dänischen Landschaft, ein Horizont der in seiner strikten Linearität kaum von einem Hügel unterbrochen wird (und wenn, dann bezeichnenderweise erst in der Schlusszene), eine Landschaft, in der Land und Wasser praktisch nahtlos in einander übergehen. Das hat in seiner Kargheit ganz eindeutige Parallelelen zum reduzierten Regietheater, aber auch zur Laboranordnung von Dogville. Gegenüber Dogville und allen anderen späteren Filmen von Triers geht dieser Medea jedoch noch jene subversive Ironie ab, mit der jede Szene mit einem hypothetischen Fragezeichen versehen wird. Diese Medea leidet, ist ganz und gar Rachegöttin. Soviel Haß kann kaum noch gesteigert werden. Und doch gelingt es von Trier dem größten Drama gewissermaßen noch die Krone aufzusetzen.

Der Kindermord geschieht auf kleiner Anhöhe über der weiten Ebene. Jason (Udo Kier), die Vergifteten fliehend, jagt im gestreckten Galopp hinaus. Schnitt. Auf dem Hügel steht ein einzelner kahler Baum, abgestorben und tot, nur noch mit Mühe zwei Äste zur Form eines grossen Ts erhebend. Nicht zufällig eine Reminiszenz an diverse Spaghettiwestern. Medea wird hier ihre Kinder erhängen, der ältere Sohn wird zuvor noch vielwissend sagen „Ich weiss, was geschehen wird.“ Und so nehmen die Dinge ihren Lauf, Naturgewalten gleich. Mit einem Male ist „Antichrist“ sehr nahe. Grosses Kino.
IMDB
8.0 von 10

2009

Sam (Toby Maguire) und Jake (Jake Gylenhaal) sind Brüder. Jake ist Straftäter im Wiederholungsfall und gerade wieder auf freiem Fuss. X hingegen schlug, wie auch schon sein Vater, die Karriere eines Berufsoffiziers ein. Als erfahrener Kämpfer muss er oft Frau (Natalie Portman) und Töchter zurücklassen, wenn es einmal mehr gilt, die Freiheit der Nation in der Ferne zur verteidigen. Zumindest in den Augen des Vaters, für den ohnehin nur aus dem einen Sohne etwas Anständiges und Aufrechtes geworden ist, während der andere mittels gezielter kleiner Herabsetzungen fortwährend provoziert wird. Sam scheint in seiner kühlen distanzierten Art nicht unbedingt der Mensch für die grossen Gefühle zu sein. Fast schwingt ein wenig Vorfreude mit, als er den Einsatzbefehl nach Afghanistan erhält. Es geschieht was geschehen muss, der Hubschrauber, in dem Sam einen Kampfeinsatz fliegt, wird abgeschossen, das Militär muss annehmen, einen tüchtigen Offizier verloren zu haben. In der Heimat wird mit militärischen Ehren grosser Abschied genommen. Die alten Wunden brechen einmal mehr und stärker wieder auf, nun, da der Held der Familie gefallen ist. Jake verarbeitet den Verlust einmal mehr auf seine Art, trinkt und muss spätnachts aus einer Bar ausgelöst werden. Dann aber beginnt ein seltsamer Verwandlungsprozess. Vom Vater angeregt, welcher eine abfällige Bemerkung über die Kücheneinrichtung macht, beginnt Jake sich erst dem Haus, dann der darin wohnenden Familie anzunehmen, mit den Kindern zu spielen, Ihnen die Vaterfigur zu geben, welcher Sam niemals sein konnte.

1983. Ich gebe zu, ab und zu dem Phänomem von Bestenlisten erlegen zu sein. Es ist schon von einigem Interessen, welche Subgruppen unser auch so pluralistischen Gesellschaft welche Filme gerade gut finden und welche nicht. Üblicherweise findet man dort dann auch die üblichen Verdächtigen. Ganz sicher ist dort die Star Wars Trilogie, meist die Matrix Filme, ein wenig Indiana Jones, selbstverständlich Titanic und in jüngerer Zeit Avatar, aber eben auch einige wenige Produktionen, bei denen sich das Arthouse und das Mainstreampublikum auf überraschende Art und Weise trifft. Das tut es beispielsweise in der Godfather-Trilogie, aber auch in Pulp Fiction (je nach Typus des gerade hinter dem Bildschirm sitzenden Hobbycineasten), und, seltsam genug in Citizen Kane. Ein Film übrigens, von dem ich mehr und mehr glaube, dass ihn eigentlich nie jemand wirklich gesehen hat. Zu viele der üblichen Arthouse-Clichés werden dort aufs beste bedient: überlang und langatmig bis zur Langweiligkeit. Lange in der Spielzeit ist auch Brian de Palmas Scarface, ein weiterer jener Filme, bei dem sich Kritiker und (männliches) Zielpublikum häufig einig sind im Hinblick auf ihre cineastische Qualität.

1974 


Erst spät habe ich meinen ersten Fassbinderfilm gesehen. „Angst Essen Seele auf“ war in meinen Augen ein zwar solider, aber alles in allem ein wenig angestrengter Film über unterschwelligen Rassismus und den Neid der Mitmenschen auf ein neues spätes Glück. Gerade diese Angestrengtheit erschien mir in diesem Moment einmal mehr als ein typisches Charakteristikum deutschen Kunsttums, vor allem, wenn es auf der Leinwand geschieht, und Fassbinder wanderte für einige Zeit wieder in die Schublade. Dann jedoch bekam ich „Welt am Draht“ in die Finger, einen Zweiteiler den Fassbinder für das deutsche Fernsehen nach der Novelle „Simulacrum“ anfertigte und in dem er den Bühnenschauspieler Klaus Löwitsch auf die Leinwand holte. Und auch wenn die Geschichte einige Schwierigkeiten besitzt, so gehört „Welt am Draht“ doch sicher zu den eindeutig besseren Science-Fiction-Filmen, eben gerade weil er, ähnlich wie z.B. auch Alphaville, eher eine innere Raumsuche als eine äussere betreibt. Und eine Film, der selbst noch im (viel schlechteren) Remake von Eichinger unter dem Titel „13^th Floor“ funktioniert, verdient hohen Respekt. Mit Fassbinder war ich jedenfalls versöhnt, spätestens jedoch nach dem absolut grandiosen und mit Worten gar nicht genug zu lobenden Meisterwerk „Berlin Alexanderplatz“.

2007

Chacun son cinema ist ein Geschenk des weltberühmten Festivals von Cannes an sich selbst zu seinem 60jährigen Bestehen. Insgesamt 34 Resisseure drehten ihre ganz persönliche Hommage an das Kino, 34 kurze Beiträge von niemals mehr als vier Minuten, aus allen Teilen der Erde, auch wenn man den Eindruck gewinnt, Europa und Asien sei stark übervertreten. Und so liest man unter den Resisseuren auch einen grossen Teil der üblichen Verdächtigen: Polanski, Wenders, von Trier, Kitano, Kaurismäki um nur einige wenige zu nennen.


Chacun son cinéma ist einmal mehr, ich muss es gleich vorweg nehmen, einmal mehr ein Beispiel, dass ich persönlich mit dem Format des Kurzfilm so meine Probleme habe. Der Filmsammlung mangelt es weiss Gott nicht an wohl klingenden Namen. Wir sehen hervorragende fotografierte Bilder, die sich in der Kürze des Formates allerdings kaum in die Netzhaut einzubrennen vermögen. Kaum hat man sich ein wenig im neuen Setting eingenistet, wird man, abrupt und unvermittelt, schon zum nächsten gezogen. Teilweise hektische Schnittechnik fügt dem Gesamten einen weiteren Moment der steten Unruhe hinzu. Die Qualität der Beiträge ist von höchst unterschiedlichem Niveau, wie nicht anders zu erwarten. Grob kann man verschiedene Kategorien ausmachen, mit denen die Regisseure an Ihre Arbeit gegangen sind. Da sind zunächst einmal diejenigen, die zunächst einmal eine Reihe von Kinogängern beim Betrachten eines Filmes zeigen. Bei manchen Arbeiten ist damit praktisch schon alles gesagt, ausser dass es sich bei den Kinogängern entweder um eine spezielle Schicht (Milieustudien) oder solche aus einem fernen Land (afrikanische oder asiatische Provinz) handelt. Das wird dann natürlich mit dem üblichen Personalstil nobilitiert, ist aber letztlich in seiner Kürze völlig belanglos (z.B. Kaurismäki) Eine zweite Gruppe versucht dem Kinobesuch eine humoristische Note, meist durch eine kleine eingefügte Geschichte zu geben. Das gelingt mal mehr (Polanski, Loach), mal weniger gut. Unter diese Gruppe fällt wohl auch von Triers Beitrag, der jedoch in seiner typisch beissenden Ironie klar aus den anderen Beiträgen heraussticht und sicher einen Höhepunkt der Sammlung bietet. Ort der Handlung ist eine Filmvorführung im berühmten grossen Saal zu Cannes. Die Honorationen haben Platz genommen, der Fokus fällt auf eine Gruppe Männer im Frack. Einer von Ihnen beugt sich zu einem anderen hinüber und deckt ihn wortreich mit seinen wirtschaftlichen Erfolgen und Auszügen aus seiner Vita ein. Auf die Frage, was er denn so mache, wendet sich der Zugesprochene an ihn und meint nur kurz mit einem Lächeln auf den Lippen: "I kill..." und erschlägt den reichen Prahler lustvoll mit einem Hammer. Bliebe noch zu erwähnen, dass auf der Leinwand zuvor "Antichrist" zu sehen war und der Mörder natürlich niemand anders als von Trier selbst ist.



Noch ein anderer Regisseur filmt sich selbst in seinem Beitrag und wieder ist das Ergebnis grossartig. David Cronenberg spielt selbst in "At the suicide of the last jew in the world in the last cinema in the world." In einer Art apokalyptischen Vision sieht man einen Mann mit einer Pistole in der Hand darum ringen, den Abzug zu drücken, während aus dem Off im Stile reisserischer Livereportagen zwei Journalisten das geschehen wortreich kommentieren. So erfährt man z.B. dass es ja Juden gewesen seien, die das Kino erfunden hätten - oder zumindestens Hollywood. So gelingt es Cronenberg in nur drei Minuten ein brilliantes Stück nicht nur über einen tragischen Selbstmord sondern auch eine brilliante Vision über das Ende des Mediums selbst abzuliefern.
IMDB
 6.5 von 10



2009

Fatih Akins neuester Film ist zugleich seine erste Komödie. Ort der Handlung ist Hamburg, genauer das Restaurant Soul Kitchen, dessen sprechender Name sowohl das kulinarische Programm als auch den Soundtrack des Filmes vorgibt. Zinos Kazantsakis (Adam Bousdoukos) ist zugleich Käufer, Manager und Koch in der liebevoll heruntergekommenen Bruchbude. Seine Beziehung mit Nadine (Pheline Roggan) wird auf eine harte Probe gestellt, als die Angebete ein Angebot aus Shanghai erhält und Zino unter Druck setzt, ihr nachzukommen. Zinos Bruder Ilias (Moritz Bleibtreu), ein eingebuchteter Einbrecher auf Freigang, erweist sich als keine wirkliche Hilfe, ist er doch vielmehr an Zinos Kellnerin Lucia (Anna Bederke) als an einer Mitarbeit im Restaurant interessiert. Die Dinge verkomplizieren sich zusehends, als Zino zur gleichen Zeit von der Steuerbehörde, der Lebensmittelaufsicht und einem zwielichtigen Inverstor bedrängt wird. Zu allem Überfluss ereilt den Helden auch noch ein Bandscheibenvorfall, just als er nach Shanghai endlich aufbrechen will.
Es ist eine alte Weisheit, dass es hundertmal schwieriger ist, eine gute Komödie zu machen als eine gute Tragödie. Vergleicht man vor diesem Hintergrund "Gegen die Wand" und "Soul Kitchen" wird dies leider nur zu deutlich. Fatih Akin ist ein solider Film gelungen, der durchaus einige Lacher für sich verbuchen kann. Dabei helfen ihm ein guter Cast und eine fröhlich aufspielende Mannschaft. Auch wenn Akin versucht, mit der Musik den Film zusammenzuhalten, gelingt ihm das leider nur teilweise und um Meilen schlechter als sein, in dieser Hinsicht offensichtliches Vorbild, Quentin Tarantino. Und wenn dann der Musikteppich für eine Weile weicht entdeckt man dann eben leider auch zu viele Kalauer in dem Film, einige davon zudem alt und filmisch nun wirklich allzu abgedroschen. Schon Zino Hüftprobleme sind mässig unterhaltsam, als er sich dann aber einer Massage (natürlich bei einer attraktiven Frau) unterzieht und dabei eine - man möchte schon sagen: obligatorische - Erektion bekommt, möchte man Akin dann doch freundschaftlich zur Seite nehmen und sagen, dass es so billig dann doch nicht hätte sein brauchen. Leider besitzt der Film einige derartige Szenen und verankert sich somit selbst auf ungute Weise in der deutschen Komödiengeschichte, die an cineastischen Totalausfällen sicher nicht arm ist. Akin rettet seinen Film durch seine schrulligen Nebencharaktere und seiner Verankerung in einer Szene mit Migrationshintergrund. Man würde sich wünschen, dass neben den Personen auch der Humor von diesem Umstand profitieren könnte.


IMDB
6.0 von 10

2006Taxidermia ist ein Episodenfilm über drei Generationen hinweg. Die erste spielt in einem ungarischen Landhaus, während offenbar das Militär an der Macht ist. Der Vorsteher des Hauses und der es bewohnenden Familie, ein Mensch im Rang eines Leutnants, gefällt sich daran, einen einfachen Soldaten, Morosgoványi Vendel, mit diversen Arbeiten auf dem Hof auf Trab zu halten. Morosgoványi, sexuell unausgelastet, versucht sich bei jeder sich bietenden Gelegenheit Erleichterung zu verschaffen. Dabei bietet ein Loch in der Holzverschalung des Hauses mit Ausblick auf die Töchter des Leutnants eine erste Möglichkeit. Bald ist Schlachttag, bei der ein Schwein kunstvoll geschächtet und ausgenommen wird. Ein weiteres Objekt für Morosgoványi. In einer virtuosen Sequenz schneidet Pálfi nun den Körper des Schweines mit dem der Hausherrin gegen. Notwendigerweise ereilt den Missetäter die tödliche Rache des Leutnants. Dessen Frau bringt indessen einen gesunden Jungen zur Welt, wenn auch mit einem gewissen körperlichen Defizit: über dem Hintern des Jungen ringelt sich ein Schweineschwanz.

2. Episode. Der Junge ist erwachsen geworden. Balatony Kálmán hat aus seiner bereits in frühester Kindheit entdeckter Begabung eine Profession gemacht: Kálmán ist Schnellwettesser und kämpft um die Führerschaft in dieser Disziplin (und muss sich nur gegen den russischen Meister geschlagen geben). Aus der Liaison mit einer Meisterin in eben jener Sportdisziplin, entspringt Balatony Lajoska.

3. Episode. Lajoska ist erwachsen geworden und Präparator von Beruf. (Taxidermia = Ausstopfer). Sein Rhythmus führt ihn täglich an drei Orte: den Supermarkt, in dem er immer für den gleichen Betrag Butter und Schokoladenriegel in Unmengen einkauft (und nebenbei der Kassiererin schöne Augen zu machen versucht), sein riesiges Ladengeschäft, in dem er mit Hingabe Tiere in Schaupuppen verwandelt, und die Wohnung, in der sein mittlerweile auf monströse Masse angewachsener Vater gefüttert werden will und dabei nur abschätzige Worte für die fressenden "amerikanischen Amateure" findet, welche das Satellitenfernsehen in seine Stube bringt. Die Frau hat ihn schon vor langer Zeit nach den Staaten verlassen und so bleibt nur der Sohn, der sich um ihn angewidert kümmert und einige Katzen im Käfig, welche er freudig füttern lässt und welche ein waches Auge auf den vor lauter Essen bewegungsunfähig gewordenen Vater geworfen haben...Zunächst einmal sollte ein jeder eindringlich vor diesem Film gewarnt werden, der den Anblick expliziter sexueller Darstellungen nicht erträgt oder dem sich beim Schwelgen der Kamera in allerlei Innereien der Magen umdreht. (Auf der anderen Seite ist dem heutigen, Saw, Se7en und dergleichen gewohntem Publikum wohl der Film ohne weiteres zuzumuten).Ich muss zugeben, dass mich Taxidermia ein wenig ratlos zurückgelassen hat. Mir ist noch nicht klar, worin die Absicht Pálfi in letzter Konsequenz besteht, und so muss ich mich mit einigen Annäherungen behelfen. So ist beispielsweise unschwer zu sehen, dass die drei Epochen, in denen der Film spielt, gleichsam die drei politischen Systeme, unter denen Ungarn regiert wurde, verkörpert. Dies liesse sich in diversen kleinen Bösartigkeiten festmachen, ist aber vor allem in der 2. Episode evident. In einem Kommentar wurde sogar der fette Wettkämpfer mit dem "fetten Vorzeigekandidaten" des Ostblocks verglichen, welches Ungarn zu jener Zeit fraglich war.Zu dieser Ebene kommt fraglose der zweifach durchgespielte Vater-Sohn-Konflikt hinzu, welcher jeweils dazu dient, die zeitlichen Epochen zu überbrücken. Sowohl Kálmáns leiblicher wie gesetzlicher Vater dienen wohl kaum zum Vorbild und haben wohl massgeblichen Anteil an seiner psychischen Deformation ("einmal wollte ich in einer Schokoladenfabrik ein Mädchen beeindrucken, und da ich nichts anderes konnte, ass ich bei der kostenlosen Verkostung mehr als anderen - das war der Beginn von allem"). Kálmán selbst, wiewohl theoretisch durchaus zu romantischen Gefühlen in der Lage, kann jene jedenfalls nicht weitergeben. An der Stelle sollte vielleicht erwähnt werden, dass auch die Zeugung Lajoskas nicht unbedingt auf Kálmán zurückzuführen ist, und wir es deshalb wohl auch mit einem zweifachen Bastard zu tun haben.

Taxidermia ist natürlich auch eine Geschichte über den Körper und den Körperkult, das Fleischliche, die Fleischeslust an sich. Das ist natürlich zunächst einmal ganz banal wörtlich zu verstehen in der 1. Episode, die Lust an der sexuellen Vereinigung mit was-auch-immer. Dann in der 2. Episode als nicht enden wollende Lust, dieses Fleisch in sich aufzunehmen, mehr, immer mehr, auch wenn man sich auf dem Weg zur völligen Aufnahme immer wieder von Teilen entledigen muss. Lajoska schliesslich steht für die Lust am Körper selbst, für die Lust die beim Betrachten der Form entsteht und folgerichtig muss er seine künsterlische Ader schliesslich bis zur äussersten Konsequenz führen.Der Film entzieht sich einer eindeutigen Deutungsebene. Leicht liessen sich Vorbilder benennen, jene schon erwähnten auf einer oberflächlicheren Ebene, Bunuel, Jodorowsky und Greenaway auf einer etwas höheren Ebene. Pálfi bietet einem starken Tobak in unglaublich perfekten Bildern an. Dazu ein, zwei Kamerafahrten wie ich sie in letzter Zeit nur bei dem ebenfalls ungarischen Bela Tarr gesehen habe. Während Tarr jedoch streng analog operiert, verlässt sich Pálfi eher auf seine Digitalabteilung. Wie werden von diesem Menschen noch hören.

IMDB
7.5 von 10

(2009)

Dies ist es nun also gewesen. Hollywoods next Big Thing. Man munkelt von mehreren hundert Millionen Dollar Produktionskosten und schon am fulminanten Startwochenende war klar, dass Camerons neuester Film seinen hohen finanziellen Erwartungen wohl gerecht werden wird.

Erzählt wird die Geschichte des querschnittsgelähmten Marines Jake Sully (Sam Worthington), welcher anstelle seines verunglückten Zwillingsbruders auf den Planeten Pandora entsandt wird. Pandora ist neben allerlei biologischen und zoologischen Merkwürdigkeiten von einer menschenähnlichen, jedoch drei Meter großen und sympathisch blau gefärbten Rasse, den Nav'i, bevölkert. Das menschliche Interesse an Pandora beschränkt sich freilich eher auf die Ausbeutung kostbarer Rohstoffe, welche tief unter der Planetenoberfläche liegen. Um den primitiven Wilden überzeugende Argumente gegenüber zustellen, befinden sich neben diversen Abbauroboter auch starke militärische Kräfte auf Pandora. Um doch noch eine diplomatische Lösung herbeizuführen, arbeitet die Wissenschaftlerin Dr. Grace (Sigourney Weaver) an biologischen Lebensformen, den Nav'i äußerlich gleich, jedoch von ferne durch die Gedankenkraft eines Menschen geführt. Jake lernt in der Gestalt seines Avatars ,wie man so sagt, Land und Leute kennen und lieben, letzteres im besonderen im Hinblick auf die aparte Häuptlingstocher Neytiri (Zoe Saldana). Es kommt wie es kommen muss. Die diplomatische Lösung scheitert, die Menschen setzen ihre Armee in Gang. Doch in einer letzten Schlacht erheben sich die Nav'i gegen den äußeren Feind...

Man könnte James Cameron an dieser Stelle eine Menge vorwerfen. Sicher, die schwache, an der Grenze zum Schwachsinn operierende Story, ein Regisseur und Drehbuchautor der sich eindeutig mehr an seinen – zugegeben großartigen – visuellen Reizen erfreut als an Handlungssträngen. Das würde auf der anderen Seite aber verkennen, mit welcher atemberaubenden Professionalität hier dilettiert wird. Andere haben schon versucht nachzuweisen, dass ein großer Erfolg von Star Wars darin lag, möglichst weither geholte, jedoch altbekannte Erzählmuster zu repetieren und in ein neues Setting zu überführen. Avatar führt diese Methode zur Meisterschaft. Wenngleich bei Cameron die Repetition gleich zweifach geschieht: auf erzählerischer Ebene (Star Wars), aber auch auf der Ebene der Bildsprache, die zur Zitatensammlung nicht nur von Camerons eigenem früheren Schaffen, als auch einem Großteil der populären Filmgeschichte wird. Letzteres erinnert eher an die Versuche von Quentin Tarantino. Einige Beispiele: natürlich wird da im eigentlichen Sinne ein Western erzählt, man erfährt von männlichen Inauguralriten, Pferde müssen da eingeritten werden. Auf der Bildebene könnte man das Avatar-Labor aus Alien, den Kampfrobotor von Jakes Widersacher aus Terminator, der Anflug der Hubschrauber natürlich aus Apocalypse Now entlehnt sehen. Selbst die fliegenden Felsen mag man schon in japanischen Mangas gesehen haben.

Genau an diesem Punkt beginnt Avatar dann aber doch interessant zu werden. Nicht obwohl, sondern gerade weil auch dem letzten im Publikum die Handlung von Anfang an bis in die Kameraeinstellung bekannt sein dürfte, weil jede Seitenhandlung, beinahe jeder Dialogsatz schon einmal gesprochen wurde, ist Avatar erfolgreich im Versuch, das Publikum in jene fremde Welt zu ziehen. Denn was auch immer an Ungetümen aus diesen Wäldern kommen wird, sechsbeinige Pferde oder vieläugige Drachen – diese Welt ist vertraut, dort fühlt man sich wohl, und deshalb sind hier auch die ökologischen Eingeborenen die Guten und die technisch hochgerüsteten Menschen die Bösen. Die Parallelen zum Irakkrieg sind überdies so eindeutig, dass sie kaum erwähnt werden müssen (Colonel: „We gonna fight their terror with terror!“; überhaupt der Einsatz der „Drohnenrobotern“, um einen entscheidenden Vorteil zu gewinnen).

Ganz zum Schluss wirft der Film dann aber doch noch eine interessante Frage auf.

SPOILER Der menschliche Jake ist schwer verletzt. Neytiri bringt ihn zusammen mit seinem blauen alter Ego zu einer rituellen Heilzeremonie, an welcher das gesamte Volk der Nav'i rituellen Anteil nimmt. Beide Körper liegen aufgebahrt unter einem wundertätigen Baum. Natürlich erwacht Jake in seinem neuen Leben, seinem neuen, blauen, lauffähigen Körper auf – so wie es seine Gefährtin erwartet und wohl auch wünscht. In dieser scheinbar harmlosen Schließung des Kreises, der Aufgabe des alten Körpers steckt jedoch auch zugleich die Aufgabe eines, wenn man so will, alten romantischen Ideals: der Liebe um ihrer selbst willen, ungeachtet der Herkunft, des Status und der möglichen körperlichen Defizite. In der Schlussszene wird James Cameron, das Publikum wird sich der Dimension kaum bewusst sein, auf eine ziemlich bösartige Weise ehrlich.

IMDB 6.0 von 10

(1987)Zwei Drehbuchautoren arbeiten an einem Skript für einen Film, welches sie dem dänischen Filminstitut vorlegen möchten. Fünf Tage vor der geplanten Übergabe führt eine Computerpanne dazu, dass der Text nicht mehr lesbar ist. Die beiden Autoren sehen sich ausser Lage, den Text aus dem Gedächtnis zu rekonstruieren. So kommen sie auf die Idee zu einem Projekt. Die ersten Buchstaben, welche auf der Schreibmaschine angeschlagen werden und den Titel des Films formen werden, prägen sich in der linken oberen Ecke des Bildschirms gleich einem Signet, oder einem "Brand", in das Bild ein.
Die Geschichte, welche nun erdacht wird, von einer ausbrechenden Epidemie, welche immer schneller den gesamten Erdball erfasst, findet ihre erstaunliche, und wie schnell versichert wird, völlig zufällige Parallele in der Realität.
Die fiktive Dokumentation der beiden Drehbuchautoren (gespielt von den beiden "echten" Urhebern von Trier und Vorsel), grob auf 16mm fotografiert, wird dabei immer wieder von Ausschnitten des späteren Filmes, wesentlich feiner auf 35mm produziert, unterbrochen.
Das Finale wird dabei zu einer virtuosen Durchmischung der beiden Ebenen. Von Triers Mittelstück seiner "Europa"-Trilogie ist eine gute Einführung in das Denken dieses Regisseurs. Praktisch alle seine späteren Themen, die er später perfektionieren und destillieren wird, sind hier schon vorhanden, wenn auch grober und unvermittelter nebeneinander gestellt. Das oberflächliche Sujet eines dystopischen Katastrophenfilmes, vermengt mit der Dokumentation der Schreibproblematiken der beiden Autoren ist dabei nur eine, und wahrscheinlich nicht einmal die am besten funktionierende Ebene.Interessant wird von Trier in den Details, in einigen wunderbaren Miniaturen, die von grossartiger Blödelei bis zu tief sitzendem Zynismus reichen. Ersteres zum Beispiel wenn die beiden Autoren dem Geheimnis der rot-weiss gestreiften Signalzahnpasta auf den Grund kommen wollen, letzteres etwa in der Szene des schwarzen, sterbenden Predigers, der in einem epischen Gebet beschwört, dass alles, was ein "Nigger" benötige, nur "a nice pair of black shoes, a tight pussy and a warm place to shit" sei. Dazu erklingt dann Wagners Tannhäuser-Ouvertüre and im Hintergrund formt sich eine Gemeinde um den Prediger, allesamt im schwarzen Wasser stehend. Darin lässt sich dann auch wieder eine Spiegelung zu einer früheren Szene sehen, in der die beiden Protagonisten von einem deutschen Freund zu einem Kölner See geführt werden, in dem sich die Einwohner beim letzten Bombardement vor den Phosphorbomben der Engländer in Sicherheit gebracht haben.Überhaupt sollte man bei von Trier immer auf der Hut sein, bedacht, nicht in seine Fallstricke zu tappen. Kritik scheint an jeder Stelle durch, jedoch sanft und schwer zu fassen.
Der Held des Film etwa, ein Arzt, zieht aus der sicheren Stadt aus, um, wie er glaubt, die Menschen auf dem Land heilen zu können. Die Warnungen der Kollegen schlägt er aus und wird so der eigentlich Grund zur Verbreitung der Seuche.
Nicht nur Wagner und die Reise nach Deutschland, auch die generelle Skepsis am missionarischen Eifers des Helden (oder dessen deutscher Name: Dr. Mesmer) lassen natürlich auch eine Parallele zu den traumatischen Ereignissen in Europa zu. Diese bleiben jedoch unklar vage, ständig gebrochen.Vielleicht ist von Trier in "Epidemic" noch nicht bei seiner Höchstleistung angelangt, wie man an einigen Lücken und (gewollt?) unklaren Anschlüssen sehen kann. Dafür wirft einem der Regisseur in fast jeder Szene ein beeindruckendes Können entgegen. Zuletzt sei noch darin erinnert, wie Vorsel von seinen minderfährigen Brieffreundinnen in Atlantic City erzählt, gleichsam als Vorbereitung zum brillianten Schluss. Während sich die beiden in Schale zum Dinner werfen, rezitiert von Trier vor dem Spiegel Taxi Driver. IMDB 8.0 von 10