Nach dem Film: Mai 2010

Robin Hood

12:28

2010

Ridley Scott ist ja nun auch schon seit geraumer Zeit auf Blockbuster jedweder Art abonniert. Nach dem überwältigenden Erfolg von Gladiator war es denn auch nur eine Frage der Zeit, wann sich die Wege des damaligen Hauptdarstellers Russell Crowe und eben Scott bei einem – natürlich – historischen Stoff wieder kreuzen würden. Dabei muss das historisch natürlich sofort relativiert werden, handelt es sich bei Robin Hood doch ohnehin um eine lose Melange einiger historischer wie eher zeitgenössischer (Walter Scott, Disney u.a.) Mythen, der das Dream Team nun eine eigene, natürlich keineswegs korrektore Deutung der altbekannten Geschichte entgegen setzen möchten. Erzählt wird die Geschichte wie es dazu kam, dass Robin als Vogelfreier in den Wäldern von Sherwood Forrest leben wird. Dazu wird Prinz John ein klein wenig weniger beschränkt als sonst, König Richard ein wenig weniger moralisch unangreifbar dargestellt. Im Übrigen wird Richard auch nach einigen wenigen Filmminuten dahin gerafft werden. Robin ist keineswegs adlig, sondern rutscht nur durch eine Verkettug dummer Zufälle in den Besitz des Titels und an die Seite von Jungfer Marianne. Dieselbige wohnt in einem Haus mit schönen Glasfenster, wärmt sich am lauscheligen Kamin und greift – bei Bedarf – auch selbst zum Schwert, um England zu verteidigen. Letztes übrigens besonders unfreiwillig komisch (und wer beim Zählen der Anachronismen ins Schwitzen kommt, wird sicher auch Freude an den Landungsbooten haben, mit denen die französischen Invasionsarmee versuchen wird, England zu erobern).

Die Inszenierung der Action ist wie für gewöhnlich in jüngeren Hollywoodproduktionen zum Sterben langweilig. Geschnitten wird im Takt der Frames, die Handkamera wackelt zum Gottererbarmen, aus der Dolby Surround Anlage kracht einem ein wuchtvolles Stöhnen des versammelten grossen Orchesters entgegen. Morden kann doch so schön sein. Das ist einem recht schnell herzlich egal, und glücklicherweise findet das Drehbuch noch den einen oder anderen komischen Moment. An der Kasse ging Ridley Scotts Spektakel überraschend in den USA ziemlich baden, so dass sich ein vorangelegtes Sequel wohl erübrigen dürfte. Zur Ehrenrettung sei vielleicht gesagt, das Robin Hood durchaus solide Unterhaltung ist. Aber eben weder dem Thema noch dem Genre irgendetwas Neues hinzufügt.

IMDB
5.0 von 10

Lars von Trier

Medea

10:41

1987
Irgend wie war es abzusehen, dass Lars von Trier irgendwie eine Medea machen musste. Einerseits überraschend, andererseits aber auch bemerkenswert konsequent und vorausschauend steht der Film jedoch eher am Anfang seiner filmischen Karriere als an deren Ende (oder als Wendepunkt wie bei Pasolini). Im Zusammenhang mit seinem jüngsten Werk, Antichrist, häuften sich einmal mehr die Renzensenten, die dem dänischen Regisseur Misogynie vorwarfen. Einen eher kalten Blick auf das Leiden der Protagonistin zeichnet auch Medea aus. Und doch sind die Akzente anders gesetzt. Lars von Trier lässt seine Medea zwar in historisierenden Kostümen auftreten, jedoch in der überwiegenden Anzahl der Fälle unter freiem Himmel. Schauplatz ist die majestätische Weite der dänischen Landschaft, ein Horizont der in seiner strikten Linearität kaum von einem Hügel unterbrochen wird (und wenn, dann bezeichnenderweise erst in der Schlusszene), eine Landschaft, in der Land und Wasser praktisch nahtlos in einander übergehen. Das hat in seiner Kargheit ganz eindeutige Parallelelen zum reduzierten Regietheater, aber auch zur Laboranordnung von Dogville. Gegenüber Dogville und allen anderen späteren Filmen von Triers geht dieser Medea jedoch noch jene subversive Ironie ab, mit der jede Szene mit einem hypothetischen Fragezeichen versehen wird. Diese Medea leidet, ist ganz und gar Rachegöttin. Soviel Haß kann kaum noch gesteigert werden. Und doch gelingt es von Trier dem größten Drama gewissermaßen noch die Krone aufzusetzen.

Der Kindermord geschieht auf kleiner Anhöhe über der weiten Ebene. Jason (Udo Kier), die Vergifteten fliehend, jagt im gestreckten Galopp hinaus. Schnitt. Auf dem Hügel steht ein einzelner kahler Baum, abgestorben und tot, nur noch mit Mühe zwei Äste zur Form eines grossen Ts erhebend. Nicht zufällig eine Reminiszenz an diverse Spaghettiwestern. Medea wird hier ihre Kinder erhängen, der ältere Sohn wird zuvor noch vielwissend sagen „Ich weiss, was geschehen wird.“ Und so nehmen die Dinge ihren Lauf, Naturgewalten gleich. Mit einem Male ist „Antichrist“ sehr nahe. Grosses Kino.
IMDB
8.0 von 10

Jim Sheridan

Brothers

10:33

2009

Sam (Toby Maguire) und Jake (Jake Gylenhaal) sind Brüder. Jake ist Straftäter im Wiederholungsfall und gerade wieder auf freiem Fuss. X hingegen schlug, wie auch schon sein Vater, die Karriere eines Berufsoffiziers ein. Als erfahrener Kämpfer muss er oft Frau (Natalie Portman) und Töchter zurücklassen, wenn es einmal mehr gilt, die Freiheit der Nation in der Ferne zur verteidigen. Zumindest in den Augen des Vaters, für den ohnehin nur aus dem einen Sohne etwas Anständiges und Aufrechtes geworden ist, während der andere mittels gezielter kleiner Herabsetzungen fortwährend provoziert wird. Sam scheint in seiner kühlen distanzierten Art nicht unbedingt der Mensch für die grossen Gefühle zu sein. Fast schwingt ein wenig Vorfreude mit, als er den Einsatzbefehl nach Afghanistan erhält. Es geschieht was geschehen muss, der Hubschrauber, in dem Sam einen Kampfeinsatz fliegt, wird abgeschossen, das Militär muss annehmen, einen tüchtigen Offizier verloren zu haben. In der Heimat wird mit militärischen Ehren grosser Abschied genommen. Die alten Wunden brechen einmal mehr und stärker wieder auf, nun, da der Held der Familie gefallen ist. Jake verarbeitet den Verlust einmal mehr auf seine Art, trinkt und muss spätnachts aus einer Bar ausgelöst werden. Dann aber beginnt ein seltsamer Verwandlungsprozess. Vom Vater angeregt, welcher eine abfällige Bemerkung über die Kücheneinrichtung macht, beginnt Jake sich erst dem Haus, dann der darin wohnenden Familie anzunehmen, mit den Kindern zu spielen, Ihnen die Vaterfigur zu geben, welcher Sam niemals sein konnte.

Währenddessen erfährt Sam in Afghanistan eine grausame Kriegsgefangenschaft. Die perfide Logik der Terroristen verlangt von ihm, seinen Untergegebenen zu ermorden, um zu seiner Familie zurückzukehren. Doch sowohl er als auch seine Familie sind nicht mehr dieselben. Sam, von seinen Kriegserlebnissen noch mehr introvertiert und eigenbrötlerisch, die Familie, welche durch den Brudern eine alternative Möglichkeit von Familie vor Augen geführt bekam.

Das alles wird für einen amerikanischen Film erfrischend schlank erzählt, der Pathos bleibt in der Kiste, auch wenn die Bösen im fernen Osten natürlich klar lokalisiert sind. Der eigentliche Konflikt geschieht jedoch im inneren der Familie und dies ist auch das eigentlich spannende. Die kammerspielartige Reduktion auf wenige Spielorte und Charaktere tut dem Film sehr gut, der es schafft, viele Fallen erfolgreich zu umschiffen und bis auf die allerletzte Szene, die man einmal mehr gut hätte streichen können, auch ohne falsche Anklagen und Abdriften in die Niederungen des Kitsches auskommt.

Ein sehr nahmhaftes (und hochdotiertes) Schauspielerensemlbe fand sich zu einem sehr bemerkenswerten Film zusammen.

IMDB
7.0 von 10

Brian de Palma

Scarface

10:26

1983. Ich gebe zu, ab und zu dem Phänomem von Bestenlisten erlegen zu sein. Es ist schon von einigem Interessen, welche Subgruppen unser auch so pluralistischen Gesellschaft welche Filme gerade gut finden und welche nicht. Üblicherweise findet man dort dann auch die üblichen Verdächtigen. Ganz sicher ist dort die Star Wars Trilogie, meist die Matrix Filme, ein wenig Indiana Jones, selbstverständlich Titanic und in jüngerer Zeit Avatar, aber eben auch einige wenige Produktionen, bei denen sich das Arthouse und das Mainstreampublikum auf überraschende Art und Weise trifft. Das tut es beispielsweise in der Godfather-Trilogie, aber auch in Pulp Fiction (je nach Typus des gerade hinter dem Bildschirm sitzenden Hobbycineasten), und, seltsam genug in Citizen Kane. Ein Film übrigens, von dem ich mehr und mehr glaube, dass ihn eigentlich nie jemand wirklich gesehen hat. Zu viele der üblichen Arthouse-Clichés werden dort aufs beste bedient: überlang und langatmig bis zur Langweiligkeit. Lange in der Spielzeit ist auch Brian de Palmas Scarface, ein weiterer jener Filme, bei dem sich Kritiker und (männliches) Zielpublikum häufig einig sind im Hinblick auf ihre cineastische Qualität.

Freut sich der männliche Durchschnittszuschauer an der Testosteron geladenen Hauptfigur, seiner wehrhaften Brutalität, seiner familiären Integrität und nicht zuletzt an seiner Misogynie, so entzückt sich der zweite Zuschauerkreis an den Brüchen, die jene illustre Hauptfigur aufweist, die schonungslose Dekonstruktion des Drogenbarons als vollendeten Versager, von einem grandios arrangiertem Willen zum Scheitern – kurz: an einem Helden, der in seiner Auflösung nietzscheanische Züge trägt.

Dabei ist es faszinierend zu sehen, mit welcher Vehemenz der noch blutjunge Al Pacino in die Rolle seines Lebens findet. Alles, das seine späteren Paraderollen auszeichnen wird (eben: Godfather, Heat, Donnie Brasco um nur einige zu nennen), ist hier schon vollständig angelegt. Nur eben viel konsequenter durchgespielt als in den vielen weichgespülten Ganovenfilmen, die folgen werden.

De Palma erweist sich als grandioser Gradwanderer zwischen gekonnter Actioninszenierung und stringenter Verfolgung seines Konzeptes. Das aus heutiger Sicht etwas amüsant staffierte Setting der frühen 80er Jahre bildet dafür einen hervorragenden Rahmen. Es ist faszinierend zu sehen, mit welcher Härte de Palma Szenen stehen lassen kann ohne sie in der nachfolgenden zu entschärfen oder mit Übereifer schnell vergessen zu machen. Die geilen Blicke, die Scarface auf die Geliebte seines zukünftigen Bosses wirft, seine Kaltblütigkeit, mit der er sich vom Boss entledigt um diesselbe zu ehelichen, seine völlige Unfähigkeit zu echtem Gefühl, die schliesslich im Eklat im Nobelrestaurant mündet – all dies ist sehr genau gezeichnet und ohne jede Geschwätzigkeit wiedergegeben. Dabei sind es häufig kleine Details, mit denen de Palma noch einmal ein Ausrufzeichen setzt, etwa wenn die Scarfaces Leibwächter dem entsetzten Restaurantmanager ein paar Dollarscheine diskret für sein aufgemischtes Lokal zustecken. Oder die Tatsache, dass die in reichlicher Zahl vorhandenen Koksgefässe im Verlaufe des Films zu völlig unsinnig grossen Fässern anwachsen. Scarface stirbt zuletzt auf den Stufen seines Palastes , ermordet weil er letztlich in einem einzigen Moment die Logik des Systems durchbrach und selber eine Haltung bezogen hat. Das muss in der Logik der Drogenwelt tötlich enden und niemand ist sich dessen mehr bewusst als Scarface selbst. Die Schonung der Kinder als raffinierte Selbstmordart.
IMDB
8.0 von 10

Rainer Werner Fassbinder

Martha

10:15

1974

Erst spät habe ich meinen ersten Fassbinderfilm gesehen. „Angst Essen Seele auf“ war in meinen Augen ein zwar solider, aber alles in allem ein wenig angestrengter Film über unterschwelligen Rassismus und den Neid der Mitmenschen auf ein neues spätes Glück. Gerade diese Angestrengtheit erschien mir in diesem Moment einmal mehr als ein typisches Charakteristikum deutschen Kunsttums, vor allem, wenn es auf der Leinwand geschieht, und Fassbinder wanderte für einige Zeit wieder in die Schublade. Dann jedoch bekam ich „Welt am Draht“ in die Finger, einen Zweiteiler den Fassbinder für das deutsche Fernsehen nach der Novelle „Simulacrum“ anfertigte und in dem er den Bühnenschauspieler Klaus Löwitsch auf die Leinwand holte. Und auch wenn die Geschichte einige Schwierigkeiten besitzt, so gehört „Welt am Draht“ doch sicher zu den eindeutig besseren Science-Fiction-Filmen, eben gerade weil er, ähnlich wie z.B. auch Alphaville, eher eine innere Raumsuche als eine äussere betreibt. Und eine Film, der selbst noch im (viel schlechteren) Remake von Eichinger unter dem Titel „13^th Floor“ funktioniert, verdient hohen Respekt. Mit Fassbinder war ich jedenfalls versöhnt, spätestens jedoch nach dem absolut grandiosen und mit Worten gar nicht genug zu lobenden Meisterwerk „Berlin Alexanderplatz“.

Nun als Martha. Ebenfalls für das Fernsehen produziert, aber lange Zeit nicht zu sehen, da aus irgendeiner Ecke ein Autor auftauchte und Rechte an dem Drehbuch einforderte. Ein lange, ermüdender Rechtsstreit entzog das Werk lange dem Publikum und erst als man sich auf eine Einblendung verständigte in der zu lesen ist, der Film bezöge sich auf Motive aus einem Roman eben jenes Autors, kam der Film heraus.

Fassbinder dreht mit kleiner Crew. Da gibt es Martha, eine Mittdreissigerin und, wie zu höhren ist, alte Jungfer, die auf einer Romfahrt ihren dominanten Vater verliert und, nachdem sie dem Heiratsantrag eines reichen und scheinbar gutmütigen Freiers ausschlägt, lieber einem starken und selbstbewussten Mann das Ja-Wort gibt. Schon bald stellt sich heraus, dass das Selbstbewusstsein nur der äussere Deckmantel eines perfiden Sadismus ist. Mit immer neuen, immer pefideren Methoden gelingt es ihm, Martha gefügig zu machen und ihr seinen unbedingten Willen aufzuzwingen. Eine Entwicklung, die ein schonungsloses Ende nimmt.

Nicht nur einmal kam mir beim Sehen des Films der Gedanke an Thomas Bernhard, im speziellen an seine Erzählung vom Kalkwerk. Hier wie dort gerät eine Frau in die subtile Foltermaschinerie ihres Mannes, hier wie dort liegt das wahre Grauen hinter der fein bürgerlichen Fassade.

Der Sadismus des Ehemanns wird zum Teil auch zum Zynismus des Regisseurs, vor allem im schockierenden, aber konsequenten Ende, da begegnen sich Bernhard und Fassbinder auf Augenhöhe. Aber dann hilft Fassbinder wieder sein grosses Improvisationstalent darüber hinweg, dass der Film steril geraten könnte. In einem erhellenden Interview mit dem Kameramann Michael Ballhaus, der später dann für Spielberg u.a. Schindlers Liste fotografierte, erhält man einen Einblick in diese Arbeitsmethodik. Es gelingen Bilder von spektakulärer Einmaligkeit, die in ihrer Verbindung von ästhetischer Brillanz und inhaltlicher Verdichtung atemberaubend sind. Allen voran natürlich in der 360°-Kamerafahrt um die späteren Eheleute bei ihrer ersten Begebung im Hofe der Botschaft. Noch mehr dann in einer späteren Szene: Martha wurde überredet, in der heissen Sonne zu baden ohne Sonnenschutz, schlief ein und wurde auch nicht erweckt. Nun liegt sie mit einem bösartigen Sonnenbrand, mehr schon einer Sonnenverbrennung am ganzen Körper ausgestreckt und nackt auf dem Bett des Hotels. Auf diesem geschundenen Körper vollzieht ihr Mann dann die Ehe. Und die Kamera schwenkt weg aufs offene Meer während man im Hintergrund nur die Schreie der vergewaltigten Frau höhren kann.

Ein äusserst eindrücklicher Film, der Fassbinder als absoluten Meister seines Faches ausweist, der aber auch, und dies sei vielleicht als letztes erwähnt, mit einer anderen Person versöhnt: Karlheinz Böhm.

IMDB
9.0 von 10

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