Pickpocket ist nun also mein vierter Bresson Film nach Un Femme Douce (1969), Lancelot Du Lac (1974) und Un condamné à mort (1956). Lancelot sticht in dieser Reihe ein wenig heraus, die übrigen drei lassen sich in gewisser Weise als Radikalisierung eines Konzeptes, einer filmischen Methode verstehen. Die Reduktion des Theatralischen, im beigefügten Interview sehr schön als "Anti-Expression" bezeichnet, steigert sich in diesen drei Filmen in "un Femme Douce" zu einem Höhepunkt, zumal die Spannung zwischen der eigentlichen Tragik der Figuren und ihrer nach aussen forciert dargestellten Teilnahmslosigkeit am stärksten zu werden scheint. Pickpocket könnte man also als einen Entwicklungsschritt sehen. Bresson verfeinert die Virtuosität seiner Einstellungen, ja feiert die handwerkliche Schönheit in ihrer Formvollendetheit. Die beste Szene dürfte in dieser Hinsicht sicher jene im Zug sein, in der aus dem wiederholten Taschendiebstahl eine höchst ästhetisches Tanzen greifender und bewegter Hände wird.

Pickpocket bedeutet gegenüber Un condamné à mort auch inhaltlich einen Fortschritt, der in Un Femme Douce auf die Spitze getrieben wird. Die klare Rollenverteilung und stringente Logik des ersten Filmes wird zu Gunsten eher unsteter Gestalten aufgegeben, deren Motivation unklar, zumindestens aber zweideutig bleibt.

1974

Ein ungewöhnlicher Film. Zunächst denkt man ja, die Geschichte sei doch recht abgelutscht, die Charaktere bekannt, die Handlung ohnehin und sogar die Verfilmungen zum Stoff sind Legion. Die fast ausschliessliche Beschränkung auf die Beziehung Lancelot - Guinivere eröffnet dann aber dann doch eine neue radikale Dimension des Stoffes. Der Gral wird nur am Rande gestreift, ebenso wie die Verräter innerhalb der durch dei Gralssuche dezimierten Tafelrunde. So bleibt als Kern die Frage nach der unbedingten Liebe. Das könnte leicht in Kitsch ausarten, wenn diese Frage nicht mit einer anderen verknüpft würde, eine, welche den ganzen Abgrund der folgenden Ereignisse eröffnen wird, nämlich diejenige nach dem Preis, um welche diese unbedingte Liebe aufgegeben werden kann. Und in geradezu zynische Weise beobachtet der Film den rapiden Verfall diese Preises.

Die Kamera scheint bei dem Geschehen eigentlich nie genug nahe dem bewegten, rastlosen Körper zu kommen. Ich glaube, bis kurz vor Schluss des Filmes gibt es keine einzige Totale, auch die Halbtotalen sind äusserst spärlich gesät. Und ruht dann wenigstens zumeist der Fokus auf den Gesichtern der Akteure, scheint sich die Kamera in diesem Film mehr um Beine, Füsse, Gelenke, Bewegungen zu kümmern. Bisweilen erscheint dies ein wenig forciert und kann bisweilen ein wenig ins Schematische abdriften, etwa in der Introduktion, in der Bilderbuchartig die grausamen Taten des Lancelot vorgeführt werden, oder in der obligatorischen Turnierszene, in der Lancelot als "Schwarzer Ritter" auftritt. In letzterer wird diese Sparsamkeit, vielleicht auch ein Zwang des Budgets, unfreiwillig komisch, wenn sich Arthur und Gawain gegenseitig ein verzücktes "Lancelot" zuraunen. Stark ist der ganze Schluss, in dem sich Guinevere von Lancelot lossagt und sich wieder in die Obhuts Arturs ergibt und die letze Schlacht im Wald. Tolles Schlussbild.

IMDB
7.0 von 10

1954


Eines vorneweg: bei Filmen, über die ich mir unsicher bin, kontaktiere ich gerne das Internet, über Näheres darüber zu erfahren. Im vorliegenden Fall konnte man da z.B. lesen, dass seinerzeit das "Cahiers de Cinema", in dem u.a. Godard und Truffaut arbeiteten, diesen Film von Rosselini als einen der zehn besten aller Zeiter auserkoren.

Für mich ist dieses Urteil kaum nachvollziehbar. Die Handlung, ein aristokratisches Ehepaar aus England sucht auf jener "Viaggio in Italia" einen Ausweg aus ihrem ständigen Ehezwist, scheint auf seltsame Weise schlecht durch die Jahre gekommen. Ich habe mich lange gefragt, woran dies liegen könnte. Zum einen wirken die beiden Charaktere seltsam hölzern. Es scheint fast so, als ob sie direkt jener Zeit stammten, in der man glaubte, nur die "oberen Zehntausend" seien es wert, Gegenstand einer rechten Erzählung zu werden. Die Methode, mit der sie ihre Eheprobleme schlichten wollen, eben jene Reise in den Süden, ist holzschnittartig und konstruiert. Dieser Eindruck zieht sich in der weiteren Handlung in steigenden Dosen fort. Die Frau verbringt ihre Zeit in Museen und Ausgrabungsstätten, dabei einerseits ihren Horizont weitend, andererseits über ihre ehelichen Perspektiven grübelnd (in einer besonders platten Szene lässt Rosselini sie sehnsuchtsvoll Kinderwägen nachblicken), der Ehemann steigt natürlich einer jungen Frau hinterher. Das ist alles vorhersehbar, uncharmant und darüber hinaus noch didaktisch vorbereitet. Auch in technischer Hinsicht nerven aus heutiger Zeit schlechte Aufnahmen auf dem fahrenden Auto heraus oder lieblos hingesetzte Kameraeinstellungen.

Das metaphysisch aufgeladene Ende bringt dann zwar noch eine unerwartete Wendung, doch auch jene bleibt letztlich in ihrer trockenen Präsentation Teil des bisherigen schwachen Ganzen. Dass eine vordergründig "kühl" erzählte Geschichte dennoch "heisse" Emotionen hervorrufen kann, demonstrierte Bresson zur gleichen Zeit auf eindrückliche Art und Weise.

Ein Lob indes an zwei hervorragende Hauptdarsteller. Besonders George Sanders als ekelhafter Gatte hat mir gut gefallen. 

IMDB
5.0 von 10
 

1956 

Vielleicht starte ich bei meiner kurzen Kritik mit den beiden einzigen Punkten, die mir an diesem Film nicht so gut gefallen: das ist zum einen der völlig überzogene französische Originaltitel, der viel zu lang ausfällt und, obgleich er zwei Varianten anbietet, mit keiner der beiden so recht zu überzeugen vermag, zum anderen der schlecht gewählte Soundtrack. Ich gebe an dieser Stelle offen zu, in zunehmendem Masse allergisch auf unqualifizierte Musikwahl zu reagieren. Und gerade Mozart wurde in einem derartigem Masse filmisch verheizt, dass sich hinter jedem neuen Einsatz ein schärfstes Fragezeichen setzen lässt. Gerade Filme, die zu einem hohen Masse von der Reduktion ihrer filmischen Mittel leben, benötigen eine besondere Umsicht im Hinblick auf die Tonspur. Bela Tarr wurde in dieser Hinsicht vor kurzem von mir scharf kritisiert. In diesem Film macht es Bresson noch schlimmer. In derbster Manier werden hier akustische Fetzen in die Ohren gehauen, die weder musikalische, noch dramatische Spannungsbögen aufbauen oder unterstützen. Am Ende des Filmes wird dies leider besonders augenfällig.

Doch nun zu den positiven Aspekten des Filmes. Ich glaube, dass Bresson mit UN CONDAMNE A MORT ... ein wirklich grossartiger Film gelungen ist. Vielleicht ist es diesmal nicht die genialische Schlusszene, sondern bereits eine genialische Anfangsszene, die alles klar macht mit gleichsam sorgsam reduzierter Bildsprache. Da sitzt also der Verurteilte auf der Rückbank eines Automobils, neben ihm zwei weitere Personen, beide in Handschellen, er selbst noch ungefesselt. Sein Blick gleitet immer wieder, scheinbar zufällig, auf den Griff der Hintertür, dann wieder auf die Strasse, um die Geschwindigkeit des Wagens einzuschätzen. Brillianter kann man, denke ich, Charakter und
Handlung kaum einführen.
Der Rest des Films hält das hohe Niveau des Beginns und kann auch als eine Art Gegenthese zu den klassischen Hollywoodbearbeitungen des Ausbrechergenres gesehen werden. Praktisch unter völligem Verzicht auf Action, dramatische Einstellungen und derartiges Brimborium (Flucht von Alcatraz, Flucht in Ketten etc. pp.) gelingt es Bresson vielmehr mit seinem (Laien–)hauptdarsteller eine beklemmende Kulisse von beeindruckender Intensität zu schaffen. 

IMDB
7.0 von 10
 

2006

Ceylans Film erzählt in ruhigen teilweise unglaublich schönen Bildern die Geschichte von Bahar, einer Art Directorin beim Film, und Isa, einem Kunsthistoriker, gespielt vom Regisseur. Dabei wendet sich der Film vielleicht ein wenig schematisch vom Sonnenwetter an der türkischen Riviera zum klirrenden Winter im äussersten Anatolien. Bahar ist unglücklich, mit ihrer Beziehung und Isa schlägt ihr die Trennung vor, eine Entscheidung, die sie zwar akzeptiert, aber sie wie ihn keineswegs glücklicher machen wird. Er findet, zurück in Istambul, Zuflucht bei einer ehemaligen Geliebten, delikaterweise der Verlobten eines gemeinsamen Freundes, an deren Konstellation der Film allerdings kein weiteres Interesse zu haben scheint ausser deren gegenseitige, rein erotische Lust auf einander. So ist der zweite Teil des Filmes, in dem Bahar fehlt, auch seltsam schwächer als der 1. Teil der Filmes, ein Durchhänger, von dem sich der Film nicht mehr so ganz erholen kann. Die Bilder bleiben: etwa, wenn in extremer Nahaufnahme das Gesicht Bahars am Strang gezeigt wird, im Anschnitt der Körper, auf dem sich mit der Zeit eine flüssiges Gemisch aus Salzwasser, Schweiss und Tränen bildet, oder, generell, die Eigenart Isas seinen Kopf in Hotelzimmern in die ausgebauten Holzschubladen des Zimmertischchens zu betten.

Bisweilen kippt das Ganze dann aber auch ein wenig in zu bekannte Bilder, etwa in jenes der mittlerweile völlig überstrapazierten Spieluhr. Ich bin mir nicht sicher, ob man das nach Ennio Morricone überhaupt noch bringen kann. Diser Film kann daraus jedenfalls kein neues Kapital schlagen.

Grossartig dann wieder die Schlusszene. Die Filmcrew ist auf dem Set, draussen, um eine rührselige Szene auf dem Friedhof am Grab der Mutter zu drehen, alles eingebettet in heftigen Schneefall. Die Szene muss unterbrochen werden, weil man ein Flugzeug am Horizont gewahrt. Bahar laufen Tränen über die Wange.

Und gerade lese ich, dass Bahar auch im richtigen Leben die Gefährtin des Regisseurs ist. Er muss ein glücklicher Mensch sein.
IMDB
7.5 von 10