2009

Fatih Akins neuester Film ist zugleich seine erste Komödie. Ort der Handlung ist Hamburg, genauer das Restaurant Soul Kitchen, dessen sprechender Name sowohl das kulinarische Programm als auch den Soundtrack des Filmes vorgibt. Zinos Kazantsakis (Adam Bousdoukos) ist zugleich Käufer, Manager und Koch in der liebevoll heruntergekommenen Bruchbude. Seine Beziehung mit Nadine (Pheline Roggan) wird auf eine harte Probe gestellt, als die Angebete ein Angebot aus Shanghai erhält und Zino unter Druck setzt, ihr nachzukommen. Zinos Bruder Ilias (Moritz Bleibtreu), ein eingebuchteter Einbrecher auf Freigang, erweist sich als keine wirkliche Hilfe, ist er doch vielmehr an Zinos Kellnerin Lucia (Anna Bederke) als an einer Mitarbeit im Restaurant interessiert. Die Dinge verkomplizieren sich zusehends, als Zino zur gleichen Zeit von der Steuerbehörde, der Lebensmittelaufsicht und einem zwielichtigen Inverstor bedrängt wird. Zu allem Überfluss ereilt den Helden auch noch ein Bandscheibenvorfall, just als er nach Shanghai endlich aufbrechen will.
Es ist eine alte Weisheit, dass es hundertmal schwieriger ist, eine gute Komödie zu machen als eine gute Tragödie. Vergleicht man vor diesem Hintergrund "Gegen die Wand" und "Soul Kitchen" wird dies leider nur zu deutlich. Fatih Akin ist ein solider Film gelungen, der durchaus einige Lacher für sich verbuchen kann. Dabei helfen ihm ein guter Cast und eine fröhlich aufspielende Mannschaft. Auch wenn Akin versucht, mit der Musik den Film zusammenzuhalten, gelingt ihm das leider nur teilweise und um Meilen schlechter als sein, in dieser Hinsicht offensichtliches Vorbild, Quentin Tarantino. Und wenn dann der Musikteppich für eine Weile weicht entdeckt man dann eben leider auch zu viele Kalauer in dem Film, einige davon zudem alt und filmisch nun wirklich allzu abgedroschen. Schon Zino Hüftprobleme sind mässig unterhaltsam, als er sich dann aber einer Massage (natürlich bei einer attraktiven Frau) unterzieht und dabei eine - man möchte schon sagen: obligatorische - Erektion bekommt, möchte man Akin dann doch freundschaftlich zur Seite nehmen und sagen, dass es so billig dann doch nicht hätte sein brauchen. Leider besitzt der Film einige derartige Szenen und verankert sich somit selbst auf ungute Weise in der deutschen Komödiengeschichte, die an cineastischen Totalausfällen sicher nicht arm ist. Akin rettet seinen Film durch seine schrulligen Nebencharaktere und seiner Verankerung in einer Szene mit Migrationshintergrund. Man würde sich wünschen, dass neben den Personen auch der Humor von diesem Umstand profitieren könnte.


IMDB
6.0 von 10

2006Taxidermia ist ein Episodenfilm über drei Generationen hinweg. Die erste spielt in einem ungarischen Landhaus, während offenbar das Militär an der Macht ist. Der Vorsteher des Hauses und der es bewohnenden Familie, ein Mensch im Rang eines Leutnants, gefällt sich daran, einen einfachen Soldaten, Morosgoványi Vendel, mit diversen Arbeiten auf dem Hof auf Trab zu halten. Morosgoványi, sexuell unausgelastet, versucht sich bei jeder sich bietenden Gelegenheit Erleichterung zu verschaffen. Dabei bietet ein Loch in der Holzverschalung des Hauses mit Ausblick auf die Töchter des Leutnants eine erste Möglichkeit. Bald ist Schlachttag, bei der ein Schwein kunstvoll geschächtet und ausgenommen wird. Ein weiteres Objekt für Morosgoványi. In einer virtuosen Sequenz schneidet Pálfi nun den Körper des Schweines mit dem der Hausherrin gegen. Notwendigerweise ereilt den Missetäter die tödliche Rache des Leutnants. Dessen Frau bringt indessen einen gesunden Jungen zur Welt, wenn auch mit einem gewissen körperlichen Defizit: über dem Hintern des Jungen ringelt sich ein Schweineschwanz.

2. Episode. Der Junge ist erwachsen geworden. Balatony Kálmán hat aus seiner bereits in frühester Kindheit entdeckter Begabung eine Profession gemacht: Kálmán ist Schnellwettesser und kämpft um die Führerschaft in dieser Disziplin (und muss sich nur gegen den russischen Meister geschlagen geben). Aus der Liaison mit einer Meisterin in eben jener Sportdisziplin, entspringt Balatony Lajoska.

3. Episode. Lajoska ist erwachsen geworden und Präparator von Beruf. (Taxidermia = Ausstopfer). Sein Rhythmus führt ihn täglich an drei Orte: den Supermarkt, in dem er immer für den gleichen Betrag Butter und Schokoladenriegel in Unmengen einkauft (und nebenbei der Kassiererin schöne Augen zu machen versucht), sein riesiges Ladengeschäft, in dem er mit Hingabe Tiere in Schaupuppen verwandelt, und die Wohnung, in der sein mittlerweile auf monströse Masse angewachsener Vater gefüttert werden will und dabei nur abschätzige Worte für die fressenden "amerikanischen Amateure" findet, welche das Satellitenfernsehen in seine Stube bringt. Die Frau hat ihn schon vor langer Zeit nach den Staaten verlassen und so bleibt nur der Sohn, der sich um ihn angewidert kümmert und einige Katzen im Käfig, welche er freudig füttern lässt und welche ein waches Auge auf den vor lauter Essen bewegungsunfähig gewordenen Vater geworfen haben...Zunächst einmal sollte ein jeder eindringlich vor diesem Film gewarnt werden, der den Anblick expliziter sexueller Darstellungen nicht erträgt oder dem sich beim Schwelgen der Kamera in allerlei Innereien der Magen umdreht. (Auf der anderen Seite ist dem heutigen, Saw, Se7en und dergleichen gewohntem Publikum wohl der Film ohne weiteres zuzumuten).Ich muss zugeben, dass mich Taxidermia ein wenig ratlos zurückgelassen hat. Mir ist noch nicht klar, worin die Absicht Pálfi in letzter Konsequenz besteht, und so muss ich mich mit einigen Annäherungen behelfen. So ist beispielsweise unschwer zu sehen, dass die drei Epochen, in denen der Film spielt, gleichsam die drei politischen Systeme, unter denen Ungarn regiert wurde, verkörpert. Dies liesse sich in diversen kleinen Bösartigkeiten festmachen, ist aber vor allem in der 2. Episode evident. In einem Kommentar wurde sogar der fette Wettkämpfer mit dem "fetten Vorzeigekandidaten" des Ostblocks verglichen, welches Ungarn zu jener Zeit fraglich war.Zu dieser Ebene kommt fraglose der zweifach durchgespielte Vater-Sohn-Konflikt hinzu, welcher jeweils dazu dient, die zeitlichen Epochen zu überbrücken. Sowohl Kálmáns leiblicher wie gesetzlicher Vater dienen wohl kaum zum Vorbild und haben wohl massgeblichen Anteil an seiner psychischen Deformation ("einmal wollte ich in einer Schokoladenfabrik ein Mädchen beeindrucken, und da ich nichts anderes konnte, ass ich bei der kostenlosen Verkostung mehr als anderen - das war der Beginn von allem"). Kálmán selbst, wiewohl theoretisch durchaus zu romantischen Gefühlen in der Lage, kann jene jedenfalls nicht weitergeben. An der Stelle sollte vielleicht erwähnt werden, dass auch die Zeugung Lajoskas nicht unbedingt auf Kálmán zurückzuführen ist, und wir es deshalb wohl auch mit einem zweifachen Bastard zu tun haben.

Taxidermia ist natürlich auch eine Geschichte über den Körper und den Körperkult, das Fleischliche, die Fleischeslust an sich. Das ist natürlich zunächst einmal ganz banal wörtlich zu verstehen in der 1. Episode, die Lust an der sexuellen Vereinigung mit was-auch-immer. Dann in der 2. Episode als nicht enden wollende Lust, dieses Fleisch in sich aufzunehmen, mehr, immer mehr, auch wenn man sich auf dem Weg zur völligen Aufnahme immer wieder von Teilen entledigen muss. Lajoska schliesslich steht für die Lust am Körper selbst, für die Lust die beim Betrachten der Form entsteht und folgerichtig muss er seine künsterlische Ader schliesslich bis zur äussersten Konsequenz führen.Der Film entzieht sich einer eindeutigen Deutungsebene. Leicht liessen sich Vorbilder benennen, jene schon erwähnten auf einer oberflächlicheren Ebene, Bunuel, Jodorowsky und Greenaway auf einer etwas höheren Ebene. Pálfi bietet einem starken Tobak in unglaublich perfekten Bildern an. Dazu ein, zwei Kamerafahrten wie ich sie in letzter Zeit nur bei dem ebenfalls ungarischen Bela Tarr gesehen habe. Während Tarr jedoch streng analog operiert, verlässt sich Pálfi eher auf seine Digitalabteilung. Wie werden von diesem Menschen noch hören.

IMDB
7.5 von 10

(2009)

Dies ist es nun also gewesen. Hollywoods next Big Thing. Man munkelt von mehreren hundert Millionen Dollar Produktionskosten und schon am fulminanten Startwochenende war klar, dass Camerons neuester Film seinen hohen finanziellen Erwartungen wohl gerecht werden wird.

Erzählt wird die Geschichte des querschnittsgelähmten Marines Jake Sully (Sam Worthington), welcher anstelle seines verunglückten Zwillingsbruders auf den Planeten Pandora entsandt wird. Pandora ist neben allerlei biologischen und zoologischen Merkwürdigkeiten von einer menschenähnlichen, jedoch drei Meter großen und sympathisch blau gefärbten Rasse, den Nav'i, bevölkert. Das menschliche Interesse an Pandora beschränkt sich freilich eher auf die Ausbeutung kostbarer Rohstoffe, welche tief unter der Planetenoberfläche liegen. Um den primitiven Wilden überzeugende Argumente gegenüber zustellen, befinden sich neben diversen Abbauroboter auch starke militärische Kräfte auf Pandora. Um doch noch eine diplomatische Lösung herbeizuführen, arbeitet die Wissenschaftlerin Dr. Grace (Sigourney Weaver) an biologischen Lebensformen, den Nav'i äußerlich gleich, jedoch von ferne durch die Gedankenkraft eines Menschen geführt. Jake lernt in der Gestalt seines Avatars ,wie man so sagt, Land und Leute kennen und lieben, letzteres im besonderen im Hinblick auf die aparte Häuptlingstocher Neytiri (Zoe Saldana). Es kommt wie es kommen muss. Die diplomatische Lösung scheitert, die Menschen setzen ihre Armee in Gang. Doch in einer letzten Schlacht erheben sich die Nav'i gegen den äußeren Feind...

Man könnte James Cameron an dieser Stelle eine Menge vorwerfen. Sicher, die schwache, an der Grenze zum Schwachsinn operierende Story, ein Regisseur und Drehbuchautor der sich eindeutig mehr an seinen – zugegeben großartigen – visuellen Reizen erfreut als an Handlungssträngen. Das würde auf der anderen Seite aber verkennen, mit welcher atemberaubenden Professionalität hier dilettiert wird. Andere haben schon versucht nachzuweisen, dass ein großer Erfolg von Star Wars darin lag, möglichst weither geholte, jedoch altbekannte Erzählmuster zu repetieren und in ein neues Setting zu überführen. Avatar führt diese Methode zur Meisterschaft. Wenngleich bei Cameron die Repetition gleich zweifach geschieht: auf erzählerischer Ebene (Star Wars), aber auch auf der Ebene der Bildsprache, die zur Zitatensammlung nicht nur von Camerons eigenem früheren Schaffen, als auch einem Großteil der populären Filmgeschichte wird. Letzteres erinnert eher an die Versuche von Quentin Tarantino. Einige Beispiele: natürlich wird da im eigentlichen Sinne ein Western erzählt, man erfährt von männlichen Inauguralriten, Pferde müssen da eingeritten werden. Auf der Bildebene könnte man das Avatar-Labor aus Alien, den Kampfrobotor von Jakes Widersacher aus Terminator, der Anflug der Hubschrauber natürlich aus Apocalypse Now entlehnt sehen. Selbst die fliegenden Felsen mag man schon in japanischen Mangas gesehen haben.

Genau an diesem Punkt beginnt Avatar dann aber doch interessant zu werden. Nicht obwohl, sondern gerade weil auch dem letzten im Publikum die Handlung von Anfang an bis in die Kameraeinstellung bekannt sein dürfte, weil jede Seitenhandlung, beinahe jeder Dialogsatz schon einmal gesprochen wurde, ist Avatar erfolgreich im Versuch, das Publikum in jene fremde Welt zu ziehen. Denn was auch immer an Ungetümen aus diesen Wäldern kommen wird, sechsbeinige Pferde oder vieläugige Drachen – diese Welt ist vertraut, dort fühlt man sich wohl, und deshalb sind hier auch die ökologischen Eingeborenen die Guten und die technisch hochgerüsteten Menschen die Bösen. Die Parallelen zum Irakkrieg sind überdies so eindeutig, dass sie kaum erwähnt werden müssen (Colonel: „We gonna fight their terror with terror!“; überhaupt der Einsatz der „Drohnenrobotern“, um einen entscheidenden Vorteil zu gewinnen).

Ganz zum Schluss wirft der Film dann aber doch noch eine interessante Frage auf.

SPOILER Der menschliche Jake ist schwer verletzt. Neytiri bringt ihn zusammen mit seinem blauen alter Ego zu einer rituellen Heilzeremonie, an welcher das gesamte Volk der Nav'i rituellen Anteil nimmt. Beide Körper liegen aufgebahrt unter einem wundertätigen Baum. Natürlich erwacht Jake in seinem neuen Leben, seinem neuen, blauen, lauffähigen Körper auf – so wie es seine Gefährtin erwartet und wohl auch wünscht. In dieser scheinbar harmlosen Schließung des Kreises, der Aufgabe des alten Körpers steckt jedoch auch zugleich die Aufgabe eines, wenn man so will, alten romantischen Ideals: der Liebe um ihrer selbst willen, ungeachtet der Herkunft, des Status und der möglichen körperlichen Defizite. In der Schlussszene wird James Cameron, das Publikum wird sich der Dimension kaum bewusst sein, auf eine ziemlich bösartige Weise ehrlich.

IMDB 6.0 von 10

(1987)Zwei Drehbuchautoren arbeiten an einem Skript für einen Film, welches sie dem dänischen Filminstitut vorlegen möchten. Fünf Tage vor der geplanten Übergabe führt eine Computerpanne dazu, dass der Text nicht mehr lesbar ist. Die beiden Autoren sehen sich ausser Lage, den Text aus dem Gedächtnis zu rekonstruieren. So kommen sie auf die Idee zu einem Projekt. Die ersten Buchstaben, welche auf der Schreibmaschine angeschlagen werden und den Titel des Films formen werden, prägen sich in der linken oberen Ecke des Bildschirms gleich einem Signet, oder einem "Brand", in das Bild ein.
Die Geschichte, welche nun erdacht wird, von einer ausbrechenden Epidemie, welche immer schneller den gesamten Erdball erfasst, findet ihre erstaunliche, und wie schnell versichert wird, völlig zufällige Parallele in der Realität.
Die fiktive Dokumentation der beiden Drehbuchautoren (gespielt von den beiden "echten" Urhebern von Trier und Vorsel), grob auf 16mm fotografiert, wird dabei immer wieder von Ausschnitten des späteren Filmes, wesentlich feiner auf 35mm produziert, unterbrochen.
Das Finale wird dabei zu einer virtuosen Durchmischung der beiden Ebenen. Von Triers Mittelstück seiner "Europa"-Trilogie ist eine gute Einführung in das Denken dieses Regisseurs. Praktisch alle seine späteren Themen, die er später perfektionieren und destillieren wird, sind hier schon vorhanden, wenn auch grober und unvermittelter nebeneinander gestellt. Das oberflächliche Sujet eines dystopischen Katastrophenfilmes, vermengt mit der Dokumentation der Schreibproblematiken der beiden Autoren ist dabei nur eine, und wahrscheinlich nicht einmal die am besten funktionierende Ebene.Interessant wird von Trier in den Details, in einigen wunderbaren Miniaturen, die von grossartiger Blödelei bis zu tief sitzendem Zynismus reichen. Ersteres zum Beispiel wenn die beiden Autoren dem Geheimnis der rot-weiss gestreiften Signalzahnpasta auf den Grund kommen wollen, letzteres etwa in der Szene des schwarzen, sterbenden Predigers, der in einem epischen Gebet beschwört, dass alles, was ein "Nigger" benötige, nur "a nice pair of black shoes, a tight pussy and a warm place to shit" sei. Dazu erklingt dann Wagners Tannhäuser-Ouvertüre and im Hintergrund formt sich eine Gemeinde um den Prediger, allesamt im schwarzen Wasser stehend. Darin lässt sich dann auch wieder eine Spiegelung zu einer früheren Szene sehen, in der die beiden Protagonisten von einem deutschen Freund zu einem Kölner See geführt werden, in dem sich die Einwohner beim letzten Bombardement vor den Phosphorbomben der Engländer in Sicherheit gebracht haben.Überhaupt sollte man bei von Trier immer auf der Hut sein, bedacht, nicht in seine Fallstricke zu tappen. Kritik scheint an jeder Stelle durch, jedoch sanft und schwer zu fassen.
Der Held des Film etwa, ein Arzt, zieht aus der sicheren Stadt aus, um, wie er glaubt, die Menschen auf dem Land heilen zu können. Die Warnungen der Kollegen schlägt er aus und wird so der eigentlich Grund zur Verbreitung der Seuche.
Nicht nur Wagner und die Reise nach Deutschland, auch die generelle Skepsis am missionarischen Eifers des Helden (oder dessen deutscher Name: Dr. Mesmer) lassen natürlich auch eine Parallele zu den traumatischen Ereignissen in Europa zu. Diese bleiben jedoch unklar vage, ständig gebrochen.Vielleicht ist von Trier in "Epidemic" noch nicht bei seiner Höchstleistung angelangt, wie man an einigen Lücken und (gewollt?) unklaren Anschlüssen sehen kann. Dafür wirft einem der Regisseur in fast jeder Szene ein beeindruckendes Können entgegen. Zuletzt sei noch darin erinnert, wie Vorsel von seinen minderfährigen Brieffreundinnen in Atlantic City erzählt, gleichsam als Vorbereitung zum brillianten Schluss. Während sich die beiden in Schale zum Dinner werfen, rezitiert von Trier vor dem Spiegel Taxi Driver. IMDB 8.0 von 10